‍Pray: Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic ‍

El trabajo de Korakrit Arunanondchai (1986, Bangkok, Tailandia) se centra en el potencial transformador de la narración. Por medio de instalaciones de video expansivas, pinturas, objetos y obras performativas, procesa experiencias de su entorno personal, al igual que acontecimientos políticos, la historia y preguntas a nuestro presente plagado de crisis. 

Alex Gvojic (1984, Chicago, Estados Unidos) es un artista y director de fotografía cuya práctica se centra en la creación de entornos de "hiperrealidad" que mezclan video, luz y tropos cinematográficos. 

Pray presenta una instalación del video más reciente de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic, Canciones para vivir (2021). Presentada en un entorno inmersivo en el que un estanque de los deseos refleja una imagen sumergida en una pantalla, se invita a las y los visitantes a tumbarse y escuchar las voces de los "fantasmas" que narran las películas. La película sigue el viaje de estas entidades que hablan en nombre de espíritus muertos, regímenes políticos, familiares y animales, todos entrelazados y transformándose unos en otros. 

Canciones para vivir fue coescrito con la artista Diane Severin Nguyen, cuenta con narraciones de la cantante Zsela y se ha influenciado por los escritos de Simone Weil, Édouard Glissant y Czesław Miłosz. También incluye la composición musical y la dirección del productor Aaron David Ross. 

/ Korakrit Arunanondchai’s (1986, Bangkok, Thailand) work focuses on the transformative potential of storytelling. Through expansive video installations, paintings, objects, and performative works, he processes experiences in his personal environment just as he does political events, history and questions to our crisis-ridden present. Alex Gvojic (1984, Chicago, USA) is an artist and cinematographer whose practice focuses on creating “hyper-reality” environments that blend video, light, and cinematic tropes. 

Pray presents an installation of Arunanondchai and Gvojic’s most recent video Songs for living (2021). Presented within an immersive environment where a wishing pond reflects a submerged image onto a screen, visitors are invited to lie down and listen to the voices of the “ghosts” who narrate the films. The films follow the journey of these entities who speak for dead spirits, political regimes, family members, and animals, all entwined together and transforming into one another. 

Songs for living was co-written with the artist Diane Severin Nguyen, features narrations by singer Zsela, and was influenced by writings from Simone Weil, Édouard Glissant, and Czesław Miłosz. It also includes musical composition and direction by the producer Aaron David Ross. 

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Drench: Daniel Steegmann Mangrané 

Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, España) crea dibujos, fotografías, collages, instalaciones y videos que exploran los entrelazamientos entre la humanidad y el medio ambiente. Su trabajo, que abarca distintas geografías y medios, adopta un enfoque rizomático en el que a menudo traspasa las distinciones entre ecologías, seres humanos y criaturas no humanas, a la vez que analiza cómo la tecnología mediatiza las miradas. Interesado en la historia del cine estructural en cómo se relaciona a la duración y la percepción, crea proyecciones y bucles cinematográficos que conectan con una investigación sobre los bosques. 

Drench (2024) es un video que presenta la imagen fantasmal de un ojo visto bajo el agua rodeado de renacuajos. La obra pertenece a una serie que Steegmann Mangrané ha filmado en el Parque Nacional de Tijuca, una selva tropical de mata atlántica en Río de Janeiro. Destruida casi por completo, a mediados del siglo XIX el emperador brasileño Don Pedro II nacionalizó la tierra e hizo que un grupo de hombres esclavizados replantaran la selva tropical en lo que probablemente fue una de las acciones ecológicas gubernamentales pioneras en todo el mundo. A pesar de haber sido talada casi en su totalidad, Tijuca aún alberga algunos árboles de más de 600 años. Esos gigantes ya existían cuando llegaron los portugueses y desde entonces han sido testigos, en su totalidad, del violento proceso de colonización. 

/ Daniel Steegmann Mangrané (1977, Barcelona, Spain) creates drawings, photographs, collages, installations, and videos which explore the entanglements between humanity and the environment. Working across geographies and mediums, his work takes a networked approach, in which he often pushes the boundaries of distinction between ecologies, humans and nonhuman creatures, while considering how technology mediates gazes. Interested in the history of structural cinema as it relates to duration and perception, he creates projections and cinematic loops, which connect with an investigation of forests. 

Drench (2024) is a video presenting the ghostly image of an eye seen underwater surrounded by tadpoles. The work is from an ongoing series Steegmann Mangrané has shot at the Tijuca National Park, a Mata Atlântica rainforest in Rio de Janeiro. Once almost entirely depleted, in the mid-19th century the Brazilian Emperor Dom Pedro II nationalized the land and had a group of enslaved men replant the rainforest in what was probably one of the pioneering governmental ecological actions worldwide. Once almost entirely cut down, Tijuca still hosts some trees older than 600 years. Those giants were already in place when the Portuguese first arrived and have since witnessed, in its entirety, the violent process of colonization.  

 

Paradise: Luiz Roque 

Las películas del artista brasileño Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Brasil) son viñetas cinematográficas de montajes ajustados, destiladas en imágenes esenciales y partituras a menudo hipnóticas, que exploran aspectos sociales, geopolíticos y medioambientales de la cultura contemporánea. Caracterizadas por una narrativa abierta, sus filmes abordan lo queer como un espacio de liminalidad, ofreciendo una estrategia para complicar el modernismo occidental y sus sucesores, mientras abren simultáneamente canales que vinculan el pasado, el presente y el futuro. Esto crea una forma de narración abstracta en 

la que a menudo se yuxtaponen cuerpos y ciudades, explorando la artificialidad y transformación de estos cuerpos —ya sean humanos, animales o quimeras— y las interacciones entre estos seres y sus entornos.  

Paradise explora un sentimiento de deseo y trascendencia espiritual en películas selectas, donde las formas se unen: bailando, abrazándose, mirándose y chocando. Los videos de Roque ahondan en las tensiones entre lo natural y lo construido, a menudo difuminando las líneas entre lo visible y lo oculto. En varias de las obras expuestas, la luna aparece como una luz que guía y ofrece orientación en medio de los lados más oscuros del paraíso. Roque ilumina la alegría y la comunión en su obra, a menudo con personajes de la comunidad LGBTQ+ de Brasil, como bailarines, drag queens y otros sujetos. En el paisaje de la imaginación de Roque, la homosexualidad no es sólo una forma de identidad, sino un horizonte, un espacio entre tiempos, un paraíso cósmico. 

/ The films of Luiz Roque’s (1979, Cachoeira do Sul, Brazil) are tightly edited cinematic vignettes, distilled to essential images and often hypnotic scores, which explore social, geopolitical, and environmental aspects of contemporary culture. Characterized by open-ended narratives, his films engage with queerness as a space of liminality, offering a strategy for complicating Western modernism and its successors while simultaneously opening channels that link the past, present, and future. This creates a form of abstract storytelling where bodies and cities are often juxtaposed, exploring the artificiality and transformation of these bodies—whether human, animal, or chimera-like—and the interactions between these beings and their environments.  

Paradise explores a feeling of desire and spiritual transcendence in select films, where forms come together–through dancing, holding, gazing, and crashing. Roque’s videos explore the tensions between the natural and the constructed, often blurring the lines between what is visible and what is obscured. In several of the works on view, the moon appears as a guiding light and offers direction amidst the darker sides of paradise. Roque illuminates joy and communion within his work, often casting characters from the LGBTQ+ community in Brazil, such as dancers, drag queens, and other personas. Within the landscape of his imagination, queerness is not just a form of identity but a horizon—a space between times, a cosmic paradise. 

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